Textos Críticos

Fruições (trans)lúcidas

2011-10-11T18:35:00.000-07:00

Angélica de Moraes¹

"Tudo flui como um rio"

Heráclito de Éfeso

O vidro é dos materiais mais densos de significado e dos mais onipresentes na história da humanidade. A ciência já nos provou: a vida nasceu do mar e somos um aglomerado de minerais que também existem nas estrelas e nas galáxias. Assim, talvez não haja material mais impregnado de nossa história e de nosso destino mutante de poeira de estrelas do que o milenar vidro. O vidro, esclarece a Física, habita estágio de matéria entre o sólido e o líquido. Suas moléculas estão muito próximas da fluidez da água. Elas são, podemos concluir, a coagulação do instante mutável que também somos.

A uma velocidade tão lenta que não pode ser captada pelo olhar de uma única geração de humanos, o vidro escorre e empoça. Os vitrais das catedrais góticas do período medieval europeu gradualmente acumularam espessura maior na base do que no topo de suas superfícies translúcidas. Algo que aumenta nosso fascínio por essas delicadas e aéreas películas de luz/cor.

Dione Veiga Vieira extraiu universos de significados de uma peça de vidro olhada com aquela atenção que ela costuma dedicar às coisas do cotidiano. Exatamente para arrancá-las do contingente e inscrevê-las no imanente da criação artística. Isso resultou no denso conjunto de obras desta exposição, que tem na fotografia, no vídeo e no objeto os meios ideais para nos fazer penetrar nas relações sígnicas que a artista estabeleceu e nos propõe experimentar.

“Busco nessa proposta uma poética da tensão de forças contrárias, de formas e idéias em conflito: concreto/abstrato; presença/ausência; material/imaterial; positivo/negativo; preto/branco. Juntos, esses elementos acabam por construir uma nova tensão sempre em processo, um movimento infinito”, observa Dione.

Tudo começou, conta a artista, quando ela encontrou, em uma pequena loja de bairro, muitos vasos azuis translúcidos, com as bordas abrindo-se em imprecisa flor. Feitos de modo artesanal, cada um apresentava características próprias, embora houvesse a intenção de alcançar a homogeneidade impessoal da produção em série. Essas deformidades mínimas provocaram a atenção de Dione, que logo aplicou-se a trabalhar o potencial de conceitos ali embutidos, para ressignificá-los.

“Bruta flor do querer”, como canta Caetano Veloso? Os vasos azuis também remetem à ancestral simbologia do feminino. As primeiras obras realizadas por Dione com esses objetos, em 2008, quase se inscreviam na esfera do ready-made. A artista distribuía os pequenos vasos azuis em prateleiras brancas, preenchendo alguns deles com líquidos densos. Iguais e diferentes. A alusão poética ao corpo e ao orgânico é uma marca de sua trajetória, que ganha consistência crescente a partir do final dos anos 80, quando reside em Colônia (Alemanha,1989-1992), com ateliê oferecido pela associação Stadtkunst. Privilégio, aliás, que dá testemunho da qualidade de sua obra, há muito inscrita entre as de maior relevância nas artes visuais no Rio Grande do Sul.

O filósofo grego Heráclito de Éfeso (séc V a.C.) afirmava a fluidez do mundo. O sociólogo polonês Zygmunt Bauman (1925) encontrou uma das características do século 21 no conceito de mundo líquido. Heráclito e Bauman nos vem à mente quando observamos o vídeo Solutilis. A bruta flor do querer tem sístole e diástole, como um coração. Ou seria um universo em expansão, recortado sobre o infinito negro do espaço sideral? Célula? Anêmona, contraindo-se e distendendo-se para deslocar-se no mar? A obra de Dione poetiza mundos, sejam eles de dimensões microscópicas ou macroscópicas, dentro ou fora de nosso corpo. Sua obra tem luz e lucidez.

__________________________________________________________________

[1] Angélica de Moraes, crítica de artes visuais e curadora.

In Folder da exposição SOLUTILIS, 2011. Instalação Fotográfica de Dione Veiga. DConcept - escritório de arte. SP.

In Tecnoarte - Cultura e Estéticas Digitais. Revista Eletrônica, SP. 07/10/2011 - 8:42

Índices de Ausência

2011-02-21T13:20:00.000-08:00

*Angélica de Moraes

Um sentimento forte fisga, fere e faz sangrar todo o corpo desta exposição: a memória de uma ausência. Ela pende de ganchos que se projetam de prateleiras vazias. Nada mais está em seu lugar. Rasgada na carne dos dias, arrancada do cotidiano aderido aos móveis da casa, a ausência é gume afiado que espeta e dói. A um só tempo, uiva todos os tempos deixados, todos os tempos que já não são. É lâmina e corte, tudo misturado e fundo. Mordendo e mordendo. É oco. É abismo. É o impossível convívio na mesa sem superfície, na cadeira sem assento, na lembrança sem trégua, sem descanso. É aquela lágrima em suspensão, cavando caminhos ásperos e noturnos até desaguar no fel da manhã.

Esta mostra individual de Dione Veiga Vieira morde um naco de dor que, cedo ou tarde, todos vamos trincar nos dentes. Afinal, ensinam as escrituras bíblicas, do pó viemos e ao pó iremos retornar. Em latim, a certeza soa ainda mais inexorável: Pulvis es et in pulverem reverteris. Há raiva e dor, sim, muita. Ira contra o absurdo e o precário que ronda a existência. Não há espaço para um doce folhear de álbum de recordações. As lembranças são abrasivas e tocam nervos expostos. A casa está lotada de ausências que pousam em todos os objetos e se agarram com força nas roupas.

Embora tenha começado a construir sua identidade artística com uma produção nascida na pintura matérica, Dione alcançou maior densidade para sua arte quando transferiu seu campo de atuação da planaridade da tela para a tridimensionalidade da instalação e do objeto. Toda a rica investigação de texturas, existentes nos pigmentos terrosos e nos materiais carbonizados que se desmancham em nódoas indeléveis, foram potencializados e transferidos para instalações descarnadas e dramáticas.

Foi nesse diapasão que Dione realizou a tocante instalação sacra O Corpo Invisível, em 2002. Como bem observou Mário Röhnelt, nessa obra Dione revisita a tradição da pintura religiosa, expandindo-a da moldura do quadro para todo o espaço de uma capela, tomado como o próprio corpo de Cristo. Assim, “... o drama alastra-se pelo chão de sua própria casa, que também é seu corpo, que também é nosso corpo individual e social”. Ali, o sangue do martírio perpassa toda a cena, seja nas “veias” feitas de finos tubos plásticos, seja nas estopas encharcadas ou nas bacias. As feridas são lavadas, o sofrimento é tratado.

Na instalação seguinte - realizada em Pelotas em 2003 e denominada A Calcinação, a Unção e a Floração - Dione seculariza a temática da perda e a exorciza. É quando a artista encontra o percurso redentor na própria afirmação da força da vida e dos ciclos da natureza.

A instalação exibida em Pelotas chega agora ao MAC-RS como eixo de uma mostra individual mais extensa, em que a temática da perda adquire ainda maior tensão dramática. Lá como aqui, fica cada vez mais nítida a filiação de Dione à poesia visual, esse interstício entre artes plásticas e literatura.

Assim como o catalão Joan Brossa (1919-1998), a artista gaúcha constrói uma nova semântica para os objetos ao associá-los de modo aparentemente aleatório e incongruente. O que faz um ovo na exata intersecção de uma dobra de toalha de mesa? E a colher colocada cuidadosamente eqüidistante das bordas do tecido onde repousa? Há nessas propostas uma ossatura sólida, ancorada na genealogia surrealista.

A idéia do estranhamento, ou dépaysement, como bem anotou André Breton, é função essencial das operações surrealistas. Dione instala estranhamentos eficazes ao reunir coisas banais e imantá-las de novos significados. As coisas são elas próprias e algo mais. Esse algo brota do inconsciente para costurá-las de sentido. São sensações levíssimas, que guardamos sem saber bem porque, em compartimentos pequenos e quase inacessíveis. A racionalidade nos avisa que não há aí qualquer utilidade prática, mas quem diz que conseguimos descartar essas coisas de nós?

A exposição se desdobra assim, em memória e ausência. Há uma cuidadosa arqueologia de gavetas de guardados e uma insistência crispada na re-significação do cotidiano recortado no gume da perda. O tempo já vivido aflora nas coisas. É quando a colher remete a quem alimentava. O ovo compartilha com o ventre feminino as redondezas da gestação. A toalha convoca para o convívio da refeição em família. Na síntese visual, o poema se constrói tomando de empréstimo nossas próprias memórias.

A fotografia entra nesse conjunto para ajudar a compor a trama de malhas cada vez mais apertadas em que a artista nos coloca ao longo do percurso da mostra. As fotos também ressoam um vocabulário surreal, em que o manequim sinaliza o duplo, a presença fantasmal. O outro lado do espelho. Algo de contornos indefinidos, descorados, como a imagem em negativo que se esvai em branco no que antes era sólida presença em negro.

O vestido pendurado no trinco de uma janela entreaberta novamente estabelece a metáfora do corpo/casa e a redenção transportada no ar e na luz que entra. A aceitação da perda e o escoar do tempo cicatriza os cortes, areja a habitação e o estar no mundo. Restaura o ritual de por a mesa e compartilhar os alimentos. Finalmente o eterno repousa no trivial e infunde espessura a nossos passos. A ausência ganha os contornos e a fidelidade de nossa sombra.

*Angélica de Moraes é Crítica de Artes Visuais, curadora independente, jornalista cultural.

--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Texto publicado no catálogo da exposição Fragmentos Primordiais, 2004. Sala Especial MAC-RS - Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul. Porto Alegre, RS.

Dione, a tradutora da alma

2011-02-21T12:56:00.000-08:00

*Jones dos Santos

A arte contemporânea para alguns ou muitos desavisados pode até arranhar o bom senso (comum e incomum), além de nossos embasamentos estéticos e nossos sentidos. Digamos que a arte pulsa, estimula, e exige outros sentires. Em especial sentires desacostumados. Há também manifestações artísticas que não só arranham como esvaziam o sentir, por não acrescentarem ou mobilizarem sensações. O não-provocar nada também pode ser intencional na arte.

Mas a arte de Dione Veiga Vieira é um convite permanente a muitos sentires. Uma obra que não exige esforço para compreender, basta deixar-se e sentir. Entregar-se a todas possibilidades de sentir e ser conduzido a um universo que é comum a todos: Sentimentos genuínos. Dione faz arte com coisas de coisas. Ela rapta objetos de cenas para compor e recompor outras cenas e outros objetos antes talvez jamais imaginados. Estas cenas e objetos passam a ter um poder extraordinário de tornar inteligível o que antes poderia ser ininteligível ou até imperceptível pela simplicidade ou da insignificância do objeto. São objetos que compõem histórias traduzidas pela sensibilidade ímpar desta artista. Há objetos que deixam de ser objetos, para ser auras, energia pura de vivências humanas. Há cenas congeladas em suas obras, mas que não tem a frieza do gelo, mas tem a mansidão e aconchego do afeto. Basta que para isto estejamos abertos e vivos.

Dione atualmente usa objetos e fotografias em instalações para traduzir a alma. As almas são como são. Algumas têm asas; outras, desasadas. Mas todas estas almas por instante deixam de ser etéreas e têm forma concreta, assim como a existência humana. Tudo o que Dione produz está impregnado desse conteúdo humano e sensível. Em seus desenhos, pinturas e escrita, sua inquietude se percebe nas linhas, nas cores e na poética das palavras. Uma inquietude que denuncia que a vida só é vida quando há inquietudes. Sua sensibilidade é tão grandiosa que ela consegue intervir e alterar a leituras de objetos e coisas. As coisas deixam de ser coisas e passam ser sensações; sensações que denunciam que estamos vivos. Sua obra é atemporal e universal. Fala todas as línguas. Onde sua obra estiver essa se manifestará em seus amplos sentidos.

Há artistas que invadem nossa existência com ou sem a permissão. Alguns permanecem com a gente, nos tornando hospedeiros inquietos. A obra de Dione é assim; ao vê-la e senti-la, deixamos de ser os mesmos, pois inevitavelmente tem nossa história em um algum pigmento, rabiscos ou objeto. Se não tiver nada nosso nas obras de Dione, ouso dizer que algo não esta tão vivo dentro de nós.

* Psicólogo. Texto publicado em seu próprio blog, em 2007.

MELANCOLIA

2009-06-26T19:12:00.000-07:00

Debora Bertol

Melancolia.

Essa foi a primeira palavra que surgiu em minha mente, e ecoou constantemente durante todo o percurso da exposição. Junto a ela, a sensação cada vez mais forte de estar invadindo um local proibido, que, embora abandonado, há anos parece ter-se conservado da mesma maneira, como uma caixa de relíquias pessoais que vão sendo desgastadas com o tempo, mas que se mantêm. Permanecem ali, imóveis, intocáveis, austeras, como testemunhas de uma vida. A vida de uma mulher: seu vestido, o vestido de suas filhas, seu cuidado com os detalhes da decoração da casa, os lençóis, as cortinas, pequenas caixas para guardar objetos queridos, fotografias, tule, espelhos – muitos espelhos, o cuidado ao pôr a mesa, com os pratos bem dispostos em uma montagem quase ritual. Todos pequenos indícios de que um dia a vida humana esteve presente, com o vigor da juventude. Como lembra a própria artista, “em todos os detalhes do território-casa há uma surpreendente avalanche de almas”, e essas almas parecem nos envolver intensamente, dividindo com o visitante as experiências e a saudade.

De fato, é impossível descrever as sensações que se tem ao ingressar no mundo criado por Dione. Ele ressoa em cada espectador de uma forma, pela subjetividade e profundidade com a qual a artista simboliza a passagem do tempo. A presença dos objetos – em oposição à ausência de seus donos – corroídos pelos dias, tomados pela poeira e pela erva sugerem fortemente a existência de um passado que não se quer esquecer. Da mesma forma, os elementos conotam um espírito feminino, no qual a sensibilidade, a delicadeza, o romantismo e o subjetivo imperam, podendo ser percebidos em diversos ambientes da mostra, desde os vestidos até a caixinha de lembranças. O tecido branco, leve e fluido, que divide uma sala em pequenos nichos (quartos) também se relaciona com o cuidado delicado de uma moça, e pode denotar a leveza de uma vida sem mistérios assim como a dor do recolhimento solitário das salas de hospital. Dentro desses nichos, uma cadeira sem assento, suporte para ganchos pendurados, um cabide que eleva um pequeno vestido de batizado com o nome de duas crianças amorosamente bordados, outro com um provável vestido de noivado, uma mesa que armazena talheres. Tudo envolto pelo forte odor da naftalina que protege dos insetos. Em outra sala (se podemos chamar assim), livros muito antigos, garrafas envelhecidas, uma colher repousando sobre um tecido dobrado e um ovo, sobre suporte semelhante. Estantes vazias, espelhos que já não refletem mais, a insistente presença de uma camisa pendurada em um cabide. Todos os recantos dessa obra/casa emanam a recordação daquilo que se foi.

Muito bem montada, o grande número de objetos da exposição não se perdeu dentro do espaço amplo da galeria. Ao contrário, parece ter se adequado perfeitamente ao ambiente espaçoso e com um elevado pé-direito: tem-se uma verdadeira intimidade com os elementos. Em momento algum conseguimos fugir da lembrança de um passado, como se ficássemos presos dentro do mundo de ausências proposto por Dione, que revelou ter realizado quase uma prece, ao fechar-se sozinha naquele espaço para elaborar sua criação.

Da montagem às sensações finais transmitidas ao espectador, a obra "Fragmentos Primordiais" carrega intensamente os termos “memória” e “feminino”, assim relacionando Dione com duas artistas contemporâneas suas: a francesa Sophie Calle e a brasileira Beth Moyses. Esta atualmente expõe, na Galeria de Arte do Sesi, em São Paulo, uma pequena obra na qual uma trança repousa sobre uma cama de madeira, coberta pelo tule esbranquiçado bordado com rosas. Esse conjunto, suspenso no ar por fios de nylon, traz à tona o amadurecimento, “o fim da juventude, a morte da inocência”.[1] Aquela, por sua vez, utiliza histórias de vida para retratar a passagem do tempo, o esquecimento e o amor perdido. Em recente exposição retrospectiva[2] , Sophie apresentou uma obra inédita na qual o sofrimento de um rompimento amoroso vai sendo obscurecido pelo dia-a-dia, na medida em que o tempo avança. Cada uma delas, a seu modo, remete à melancolia, à dolorosa consciência de que a vida se esvai e à negação do envelhecimento, sob o ponto de vista feminino.

No caso de Dione, especialmente, apesar do teor melancólico e denso, é possível vislumbrar a esperança da renovação. Ao perder a juventude, adquire-se a sabedoria, retratada pela artista nas ervas que invadem o espaço um dia dominado pelo homem. A presença humana vai sendo apagada e substituída pela natureza, que volta a seu lugar: é a vida que se renova após a morte.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

Debora Bertol - outubro/2004

Notas:

[1] Kátia Canton, catálogo da mostra Natureza Morta/ Still Life. São Paulo: MAC-USP/SESI, 2004, p.47

[2] M’as-tu vue. Paris, Centre Pompidou, 19 de novembro de 2003 a15 de março de 2004.

Memórias de uma Ausência

2009-06-26T18:30:00.000-07:00

*Ana Zavadil

Tempo no vazio

No vestígio

Na continuação ...

O olhar do tempo

E o nosso tempo de olhar

O vazio, o silêncio

Tempo do silêncio

E o silêncio do tempo.

Uma ausência, uma passagem

Espaços vazios

Vazios cheios de espaço

E de tempo ...

Memórias construídas de fragmentos

Fragmentos que indicam a passagem do tempo

Tempo que sulca caminhos no coração

Perda,

Memórias,

Ausência,

Renovação ...

O tempo parece ser o grande instaurador da obra de Dione Veiga Vieira, este tempo que a tudo consome e traz à tona a condição impermanente do ser humano, nos faz refletir sobre o que se poderia pinçar desse fluxo intermitente senão às memórias. Os vestígios desse tempo deixado nos objetos que pertenceram a alguém e hoje, invadidos pelo silêncio, vazios e imóveis, onde as essências são apenas lembranças, estão todos ali pontuando uma certa ambigüidade, as suas presenças nada mais são do que as memórias de uma ausência.

Porque a obra de Dione causa tanto impacto, atingindo o espectador em cheio, porque ela incomoda?

Ao percorrer a grandiosidade do espaço de exposição, o trajeto nos instiga à reflexão constantemente. Nas duas paredes grandes que levam ao fundo, de um lado, estão colocadas imagens tantas vezes repetidas da fotografia de um mesmo vestido vazio, todas em molduras pretas de madeira, onde em cada uma delas a imagem é manipulada digitalmente, contrastando com a sua montagem simples. Nossa reação é associar de maneira inelutável com a ausência de alguém. No outro lado, numa linha paralela as fotografias do vestido vazio, na mesma disposição, repetem-se muitos espelhos, eles são pequenos, e também emoldurados em preto. Conforme caminhamos, vamos vendo a nossa imagem refletida, este é mais um momento para se pensar na existência. Não é mais a obra de Dione que estamos vendo, mas a nós mesmos e a nossa própria fragilidade.

No centro do espaço a imensidão de um tecido branco sobre o chão, cheio de marcas do tempo e das cinzas que trazem de volta outros tempos: “após as cinzas de todos os tempos passados terem sido espargidas pelo vento que entrou pela porta descuidadamente aberta, parece que uma paisagem árida entrou dentro dos olhos de todos para sempre”. (Vieira, 2003). As palavras de Dione são certeiras e nos tocam profundamente.

Nossa sensibilidade é posta à prova ao entrarmos na parte mais “íntima da exposição”, locais pequenos e separados por cortinas brancas, são como quartos que resgatam a história de vidas passadas: são cadeiras sem assento, mesas sem tampos, vestidos vazios, tudo ali fala de uma ausência muito profunda. Algo muito forte se apodera de quem ali entra; a nossa condição de transitoriedade, esse impacto nos chega sem muito esforço, somos seres temporais e esse tempo impalpável nos mostra esta realidade. Somos atingidos no que de mais frágil possuímos, na nossa única certeza: a morte. Nesse momento realmente conseguimos entrar na obra da artista, a leveza do ambiente, porém, dotado de uma grande carga de significados, a desmaterialização da vida que se faz ali presente, nos incomoda pela irreversibilidade que sabemos existir no tempo.

As prateleiras vazias, as caixas de guardados que compõem a memória, os ganchos vazios de teor agressivo, assim percorremos este espaço perdidos nos próprios pensamentos. A última parada: uma mesa vazia, a toalha contendo as marcas dos pratos e copos, o resto tomado pelas cinzas e pelas ervas que se alastram ocupando os espaços. E tudo nos é dado a crer que existe um ciclo de vida onde a natureza retoma o seu lugar, o lugar de alguém.

Dione consegue re-significar tantos objetos banais, “as coisas são elas próprias e algo mais. Esse algo brota do inconsciente para costurá-las de sentido”. (Moraes, 2004) Muitas são as mensagens que recebemos, a colher, o ovo, a toalha, todos objetos que têm aqui um novo significado relacionado ao alimento, ao útero que guarda a vida, à refeição em família.Todo o conjunto continua respondendo a mesma temática: a da perda, porém com uma abertura para a renovação.

O espaço todo dialoga, o contraste do branco e do preto com algumas inserções do sépia e de azul já trazem uma certa unidade, indicam que todos os fragmentos que narram esta belíssima exposição falam dos vestígios de uma memória através do tempo. É o presente dialogando com o passado através de tantos objetos. Paulo Gomes, na sua Dissertação de Mestrado fala sobre o presente contínuo, como um desejo:

“onde os objetos, as idéias e emoções que eles contém sejam independentes do seu tempo de existência. [...] Uma impossibilidade de localização temporal, mas uma possibilidade de existência independente das cronologias. Como as memórias, talvez...[...] mas o que o tempo pode fazer com os objetos e com as memórias das pessoas e como esse mesmo tempo pode ficar retido em um fragmento e vir à tona em toda a sua potencialidade ao ser processado ou apresentado enquanto obra.” (1998,p.39)

Na obra de Dione os fragmentos e os objetos trazem essas características, não existe um tempo para as memórias, mas, existe um tempo para as ausências, e cada fragmento e objeto têm a potencialidade de fazer aflorar os sentidos de quem os vê, dependendo da maneira como cada um o sente. A idéia de passagem que fica desses fragmentos, que falam de perda, está na idéia de que cada pedaço de memória vai formar um todo e constituir uma nova existência. Dando uma outra significação aos objetos ela consegue transformá-los em signos de dor e de ausência. Ela modifica o lugar da exposição tornando-o uma casa devastada pelas intempéries onde restaram as cinzas e deixa transpirar sutilmente que destas cinzas renascerá uma nova vida.

Dione Veiga Vieira consegue através da sua obra passar sentimentos muito fortes aos visitantes, suscitando uma reflexão da presença do ser no mundo. O seu trabalho é instigante, passível de uma análise profunda, de modo que as partes possam ser amarradas para a compreensão do todo, onde a real significação é portadora de uma beleza sem máscaras e ilusões.

*Ana Zavadil – Bacharel em Pintura pela UFRGS-2002, Bacharel em História, Teoria e Crítica de Arte pela UFRGS-2004.

BIBLIOGRAFIA

1 GOMES, Paulo César Ribeiro. Meias Verdades e Mentiras Inteiras: uma poética com fragmentos. Porto Alegre: UFRGS,135 p. Dissertação (Mestrado)-PPGAVI, Instituto de Artes, Universidade Federal do Rio Grande do Sul,Porto Alegre, 1998.

2 MORAIS, Angélica de. Índices de Ausências. In: Fragmentos Primordiais. Porto Alegre: Instituto Estadual de Artes Visuais/Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul, 2004. Catálogo de exposição.

3 VIEIRA, Dione Veiga. A Calcinação, a Unção e a Floração. In: Dione Veiga Vieira. Pelotas: Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo, 2003. Catálogo de exposição.

ESTADOS DE CORPO

2009-06-26T15:21:00.000-07:00

Ronald Augusto

(...) Ante-sala e Sala de Recepção de Dione Veiga Vieira: a artista demarca um espaço sacrificial para o corpóreo; o elogio erótico e necrópsico da carne. No entanto, resta um ar espiritual aos instrumentos que promovem o desmanche do corpo animal. Um mundo invisível na escureza dos objetos em negro, iluminados parcialmente pelo prateado das peças metálicas: ganchos, afiador, talheres, etc. O onirismo planificado do não-boi encarnado na metonímia de uma par de chifres imensos, priápicos, que fazem, por sua vez, o contraponto com as meias femininas, preenchidas com pequenas peças de vidro: pornografemas, desejo em secções. O não-boi: a mesa em brilhante pelagem negra, macia; o assentamento matemático e surreal de coisa quadrúpede. O conjunto projetado por Dione alude a salas perversas que em sua árdua beleza e em sua precisão à maneira bauhaus, parecem aguardar o peso, a gravidade de corpos em postas, em pêndulos, dependuradas em meias, em pequenos ganchos argênteos, prosaicos e delicados, não obstante o torturante a que fazem alusão. Paixão ou mortificação dos significados. Mas, por outro lado, esses ganchos também estão ali como que à espera de sentidos, significações. Neles o fruidor (agora, essa palavra beira a condição de compósito verbal e suporta uma acepção quase intolerável) poderá dependurar, se assim o desejar, sua vontade de interpretação. A ausência da coisa demanda uma enfiada de nomes possíveis que lutam entre si na tentativa de substituí-la.

Ronald Augusto em Estados de Corpo, 2008.

Dos perceptos, dos afectos, do mito, das sensações, dos objetos

2009-06-26T10:38:00.000-07:00

Maria Cristina Ferrony

Dione Veiga Vieira é artista plástica com formação no curso de Letras pela PUCRS. Possui especialização em Artes Plásticas: Suportes Científicos e Práxis. De 1989 a 1992 viveu em Colônia na Alemanha onde manteve Atelier de Arte na associação "STADTKUNST E.V. Köln". Vive atualmente em Porto Alegre onde trabalha com instalações, objetos, esculturas, fotografia, desenho e também literatura. Atualmente também se dedica à curadoria de mostras de arte e à produção de textos de arte. Já realizou diversas exposições individuais destacando-se "A Liquefação e a Decantação” de 2008, na Galeria Gestual em Porto Alegre, "Fragmentos Primordiais" de 2004, na Sala Especial do MAC/RS, "A Calcinação, a Unção e a Floração" de 2002 no MALG em Pelotas e "Primal" de 2001 na Pinacoteca da FEEVALE, Novo Hamburgo. A obra “O Nascimento de Afrodite - Sobre a Origem e Criação” foi apresentada na mostra “Casa Fechada” na Casa de Cultura Mário Quintana, com obras de mais seis artistas que trabalham a temática do corpo como metáfora da casa e vice-versa.

“O Nascimento de Afrodite - Sobre a Origem e Criação” trata-se de uma escultura-instalação, composta por um artefato oval de cerâmica, um tecido de algodão tingido com argila e dobrado, uma banqueta de madeira, um pêndulo de chumbo, uma esponja vegetal embebida em argila, uma tigela em cerâmica com água e argila e uma Fotografia. A imagem da fotografia é o resultado de uma sobreposição de imagens digitais. Essa obra não se vincula particularmente a uma corrente artística, mas, segundo a definição de alguns teóricos sobre a poética da artista, estabelece uma correspondência com a arte conceitual e também com a arte matérica, ou pintura matérica[1], ambos movimentos importantes da arte contemporânea que se desenvolveram marcadamente entre as décadas de 60 e 70 e que hoje repercutem na obra de alguns artistas trazendo seu importante legado incorporado aos atravessamentos próprios da atualidade. Dione parte da utilização de objetos praticamente “in natura”, objetos perfeitamente reconhecíveis na sua aparição, o oposto da imagem abstrata a não ser pela fotografia em que as imagens digitais sobrepostas confundem até um certo ponto a legibilidade do objeto.

Essa obra já não mais existe. Apenas a foto que compunha a obra restou como o último vestígio material do conjunto. A natureza prosaica dos materiais utilizados na sua composição determina a efemeridade como parte de seu processo e dá visibilidade aos fenômenos e alterações químicas da matéria, pois que é frágil. “...a duração do material é muito relativa, a sensação é de uma outra ordem, e possui uma existência em si enquanto o material dura” (DELEUZE, 2007, p. 248). Os registros fotográficos, realizados quando a obra esteve exposta, reforçam a idéia da assepsia cerimoniosa dessa composição, um bloco de sensações, um composto de perceptos e afectos, guardado em suspenso.

"O que se conserva, de direito, não é o material, que constitui somente a condição de fato; mas, enquanto é preenchida esta condição (enquanto a tela, a cor ou a pedra não virem pó), o que se conserva em si é o percepto ou o afecto. Mesmo se o material só durasse alguns segundos, daria à sensação o poder de existir e de se conservar em si, na eternidade que coexiste com esta curta duração" (DELEUZE, 2007, p. 216).

Um assalto ao nosso bem arranjado senso estético, “O Nascimento de Afrodite - Sobre a Origem e Criação” é como que uma educação do olhar que se obriga a lhe perceber como algo muito belo. Essa composição visual é de uma peculiar harmonia em que nada parece exceder nem perturbar o equilíbrio do conjunto. À sensação de fragilidade na apreensão do pequeno objeto (o ovo) que se acomoda na superfície aparentemente instável do tecido, contrasta uma sensação de acatamento e justa medida por seu imperioso e solene estado a nos capturar em veneração como que diante de um objeto sagrado, nobre e poderoso. Quanto tecido em barro será necessário para suportar o peso da criação? Quanto nos revela em “possíveis” esse objeto hermético – o ovo? Ao escorregar nosso olhar pelas carnes que o sustentam se confirmam as dores e os suplícios da inexorabilidade do nascimento, a violência dos órgãos na conformação do novo corpo. Absoluto, perfeito, o ovo se impõe como a obra de arte mesma, nunca um fim, mas algo a tornar-se outro. Também um “Corpo de Passagem”? Um devir. Segundo Deleuze, o ovo é pura sensação, é corpo sem órgãos[2], “campo de imanência do desejo, o plano de consistência própria do desejo (ali onde o desejo se define como processo de produção, sem referência a qualquer instância exterior, falta que viria torná-lo oco, prazer que viria preenchê-lo)” (DELEUZE, 2004, p. 15). É o grau zero, um nada que é tudo, onde tudo pode vir a ser.

Essa obra, intensamente fecunda na produção de sentidos, traz no título sua alusão ao mito, mais propriamente ao mito da beleza. Na exaltação do mito, o momento mágico da sua criação, o paroxismo do belo. A qualidade peculiarmente estética de sua composição, portanto, é asseverada pelo mito. Afrodite, na mitologia grega, a deusa do amor, da beleza corporal e do sexo. O momento sublime de seu nascimento é uma passagem obscura da mitologia em que diferentes versões o descrevem[3], e ficamos a sondar, sobre essa versão apresentada por Veiga Vieira. Parecendo recusar peremptoriamente uma deificação clássica, o mito se revela apesar disso e ostensivamente, na escolha por materiais carregados de eflúvios indicativos. A começar pelo “ovo” e sua associação primeira à origem, ao nascimento, à própria vida manifesta na máxima perfeição da forma; e o que o acomoda, as peles do elemento terroso que na cultura judaico-cristã também remete à criação, o homem moldado em barro por Deus. Se à obra colarmos nosso entendimento matérico do que seja o nascimento, a carne, a secção e o sangue, a natureza animal desse acontecimento irrompe no protuberante tecido pintado de argila. A banqueta revela sua condição prestimosa, como a superfície de amparo que sustenta a carne, o altar que a recebe; o pêndulo demarca o centro, o vetor, e promove a unção da esponja vegetal com o continente do receptáculo configurado na tigela, a água argilosa contida na concha de Afrodite. De onde somos levados, através desse recuo de entidades, a vislumbrar aí o momento da fecundação? No ósculo em suspenso, a união entre as carnes.

Até aqui, nada a gerar estranhamento, nada a forçar interpretações numa escala mais ampla de especulação. Nesse movimento apenas descrevo o que se dá a ver e o digo à minha maneira, ou à maneira de que a mim se acerca. Mas há um entendimento inato das coisas, dos objetos que valem por si mesmos como puros perceptos. Não há como nos desvincularmos dos sentimentos ulteriores de que somos constituídos, que não estão nas lembranças, numa nostalgia fixada em um lugar ou tempo definidos, mas que submergem em espasmos na presença de determinados indicadores pelos quais somos invadidos. Como em Proust[4], os objetos utilizados nessa obra não nos dizem nada que evada de sua condição enquanto objetos, mas são continentes férteis desses sentimentos inexplicáveis. Objetos como seres de sensação, entes vivos inorgânicos compostos de carne. A composição de um corpo-casa.

"Eis tudo que é preciso para fazer arte: uma casa, posturas, cores e cantos – sob a condição de que tudo isso se abra e se lance sobre um vetor louco, como uma vassoura de bruxa, uma linha de universo ou de desterritorialização" (DELEUZE, 2007, p.238).

O erotismo na obra de Veiga Vieira é sublimado, mas é afecto. Não se lança à graça de uma interpretação imediata, mas é ser de sensação, contido no conjunto da obra em cada elemento que a compõe. Aqui a “idéia” de erotismo não está contida na matéria corpórea da obra, mas esta a sustenta na medida que os seus componentes a ela se reportam, por isso talvez a suposição, por parte de alguns críticos, de que seja uma obra de arte conceitual.

Nessa análise da obra de Dione, propositalmente não apontei até agora, como na análise anterior, elementos que possam ser compreendidos como prescritivos numa possível construção de saberes, intencionando, com esse procedimento, oportunizar ao leitor uma experiência errante em que lhe seja permitido criar afectos a partir de seus próprios conhecimentos que haja coletado sobre a conceituação de arte. Assim, e apenas atentando para o entendimento da obra como um potencial disparador de sentidos, por suas atribuições plásticas, espera-se que diante de uma mínima apresentação de uma obra com características tão impessoais e inapreensíveis como essa obra de Veiga Vieira, uma movimentação sensível profícua seja realizável.

Um encontro, acontecimento. Os elementos mais reconhecíveis da arte contemporânea, o humor, a ironia, o inacabado, o atraso, o insólito e o erótico, portanto, não se apresentam nessa obra a não ser como entes ocultos, mas o “invisível”, que também se traduz como “pensamento”, outro forte elemento partícipe a compor nessa esfera, se apresenta como a assegurar o estatuto de “O Nascimento de Afrodite - Sobre a Origem e Criação” como uma incontestável obra de arte contemporânea.

Afora os elementos que não se dão a ver claramente, brotam algumas questões específicas da arte contemporânea no encontro com essa obra, como o rompimento manifesto em relação à “pureza dos meios”, um preceito característico da arte moderna. Não é pintura, no entanto há pintura; não é escultura, no entanto se expande no tridimensional; há fotografia, mas esta faz parte do conjunto, e sem ele passa a significar outra coisa. É a transposição, portanto, dos limites da ação estética, quando o campo desta ação se alarga na adoção de outros meios, outros espaços, outros materiais, outras possibilidades, enfim.

A impessoalidade dessa obra, também, a jogar com a questão da identidade das coisas, que não são mais o que são. Não à maneira da arte Pop que buscava com a estereotipação das imagens pelos mass media expor o caráter frágil do objeto e do sujeito, mas talvez mais à maneira de Duchamp. O ovo, o barro, o tecido, o banco, a esponja, a tigela, a fotografia, são outras coisas nessa obra e é claro que ainda os percebemos como os objetos que são, pois que não foram transgredidos na sua forma. Mas são outras coisas... da ordem das sensações, entrelaçados na composição de uma nova força.

Os materiais foram reunidos e combinados de maneira que pudessem comunicar suas propriedades imanentes. Falam de si ao espectador, suas memórias retidas, tensões, mistérios e vulnerabilidade pertinentes a um corpo, mas é no fora que encontram-se revelados os seus humores, a sua essência, enquanto sensações.

... "Quando uma sensação se produz, ela não é situável no mapa de sentidos de que dispomos e, por isso, nos estranha. Para nos livrarmos do mal-estar causado por esse estranhamento nos vemos forçados a “decifrar” a sensação desconhecida, o que faz dela um signo. Ora a decifração que tal signo exige não tem nada a ver com “explicar” ou “interpretar”, mas com “inventar” um sentido que o torne visível e o integre ao mapa da existência vigente, operando nele uma transmutação. Podemos dizer que o trabalho do artista (a obra de arte) consiste exatamente nessa decifração das sensações. É talvez nesse sentido que se pode entender o que quis dizer Cézanne com sua idéia de que é a sensação o que ele pinta" (ROLNIK, 2007, p.3).

______________________________________________________________________________

NOTAS:

[1] Arte matérica ou pintura matérica surge na Europa no período pós-guerra. Arte corpórea com a tônica nas qualidades do material. Tem influência da poesia e da alquimia, donde os processos mentais e os processos do material são o axioma dessa tendência que busca explorar “o que nos diz o material?” De características abstratas mistura materiais não pictóricos considerados pobres como, argila, feltro, látex, estopa. Alguns artistas matéricos: Yves Klein, Anselm Kiefer, Jannis Kounellis, Joseph Beuys.

[2] CsO – Termo nomeado por Antonin Artaud em seus escritos e adotado por Deleuze & Guattari para dizer do estado de um corpo “antes” da representação orgânica, mas é um corpo pleno de intensidades, “limiares ou níveis” (DELEUZE, 2007, p. 51). “O CsO é o ovo. Mas o ovo não é regressivo: ao contrário, ele é contemporâneo por excelência, carrega-se sempre consigo, como seu próprio meio de experimentação, seu meio associado. O ovo é o meio de intensidade pura, o espatium e não a extensio, a intensidade Zero como princípio de produção” (DELEUZE, 2004, p. 27).

[3] A deusa Afrodite, da mitologia grega nasceu na ilha de Chipre. Conforme a versão de Homero e Eurípedes, era filha de Zeus e Dione, uma oceânide e a deusa das Ninfas. Na versão de Hesíodo, a mais antiga, Afrodite nasce de uma espuma formada em torno dos órgãos genitais de Urano que haviam sido lançados ao mar após a mutilação realizada por seu filho Cronos. As duas versões se confundem, na medida em que ambas envolvem Tálassa, a deusa primordial do mar, que após a fecundação com o sêmen de Urano teria gerado Dione numa das versões e Afrodite, na versão mais admitida.

[4] “O mesmo se dá com o nosso passado. É trabalho baldado procurar evoca-lo, todos os esforços de nossa inteligência serão inúteis. Está escondido, fora de seu domínio e de seu alcance, em algum objeto material (na sensação que esse objeto material nos daria), que estamos longe de suspeitar. Tal objeto depende apenas do acaso que o reencontremos antes de morrer, ou que o não encontremos jamais” (PROUST, 2002, p. 51).
_______________________________________________________________________________

Texto (2009) publicado In "Revista Internacional Estúdio 3 – Artistas Sobre Outras Obras", Faculdade de Belas Artes, Universidade de Lisboa, Portugal, 2011.

El laboratorio poético de Dione (un texto transcordillerano)

2008-10-10T06:50:00.000-07:00

“una mirada desde la alcantarilla
puede ser una visión del mundo
la rebelión consiste en mirar una rosa
hasta pulverizarse los ojos”.Alejandra Pizarnik

La obra de Dione Veiga Vieira es un constante ir y venir de imágenes, donde se tensionan elementos poéticos, objetuales y fotográficos (los que son un claro ejemplo de la versatilidad de su obra artística, o como ella denomina “hibridismo de la contemporaneidad”[1], y donde las posibilidades de lectura están establecidas a partir de diversos tropos literarios, y sin duda éstos apuntan a una “opera aperta”).

Varias de sus obras parecieran articularse a partir de ‘ready-mades’ rectificados o assemblages, y su funcionalidad estaría dada por un proceso físico-alquímico (desarrollable en su “laboratorio poético”, tal como señala la artista), y donde uno de sus ejes transversales serían ciertos vestigios que denotan una raepresentatio in absentia. Es decir, una metáfora donde se alude a un cuerpo ausente, y que por tanto sólo puede ser representado. Lo contrario a esto es la “presentación”, realizada esencialmente por el body-art y por la performance, donde el artista recurre a su propio cuerpo como soporte material de la obra de arte.

Es precisamente la diversidad de materiales -además del interesante contraste entre texturas, y su relación con los objetos-, uno de los principales intereses de Dione Veiga Vieira, ya que como ella misma asegura: “la materia es mi metáfora preferida para reflexionar sobre la vida y el arte”[2]. Junto con esto, lo principal en su producción artística es el hecho de establecer una dinámica de poéticas visuales, donde se fusionan los elementos plásticos y conceptuales, y donde la decodificación de la obra radica en una lectura comprometida por parte del espectador (Octavio Paz señalaba que era responsabilidad del espectador transformarse en artista, así como el lector en poeta[3]…). De este modo se resignifica el rol del artista[4], más allá de su compromiso social, o bien, de la noción misma del espectáculo.

“¿Es la blancura una metáfora de la decantación de la materia? ¿Es lo blanco delicado, fino y un sutil velo, como una metáfora de las cosas evanescentes y vaporosas? O bien, ¿de las cosas que se evaporan en el mundo material? Evaporar = Desaparecer”[5]. Junto a las sutilezas materiales, cromáticas y semánticas, la artista nos refiere la dimensión evanescente de la modernidad anunciada por Marx: “Todo lo sólido se desvanece en el aire…”, y donde lo permanente, lo museografiable se vuelven obsoletos[6]. Algo que se opone a la materialidad y simbolización del huevo, en cuanto sustancia primigenia, receptáculo de vida… y que también asume las características de la seguridad de lo uterino, o de protección hogareña (Humberto Giannini habla del “retorno ad ovo”, como esa instancia diaria en la cual la persona regresa a su punto de origen, que es su propio hogar, donde encuentra calidez y refugio[7] ).

Es quizás el mismo uso de los velos, una parte fundamental de esa estrategia visual de mostrar-ocultando, otra de las sutilezas de la artista que apunta a una lectura abierta (y sin dudas, poética) de sus obras, donde secretamente se alude a una noción de transformación, de movimiento imperceptible y de desaparición de la materia[8]. Lo que de algún modo estaría presente en la deformación de los vasos, donde el movimiento no sería aparente, sino una huella en la materialidad misma del objeto[9]. Imágenes equívocas, remotamente futuristas, y que hacen patente la huella del azar, la accidentalidad en su manufactura… De eso y mucho más nos habla Dione: de un maravilloso mundo de posibilidades donde la poesía pese a todo, sigue dándonos claros signos de sobrevivencia.

Sergio González Valenzuela*
Santiago de Chile,
Agosto de 2008

Notas

[1] Dione Veiga Vieira en e-mail al autor de este texto.

[2] D.V.V. en e-mail al autor de este texto.

[3] Octavio Paz en “Marcel Duchamp ou o Castelo da Pureza”, Editora Perspectiva, São Paulo, 2004.

[4] «Concuerdo enteramente con la definición de "artista" como aquel que "se busca y se araña por dentro", en contrapartida al "activista" que está envuelto "con el amor al prójimo"...». Dione Veiga Vieira en e-mail al autor de este texto, y a propósito de la obra de la artista Regina Galindo.

[5] D.V.V., op. cit. La artista agrega: “El arte también es un proceso de depuración/decantación”. Es decir, la lectura y decodificación de la obra de arte no es instantánea, sino que por el contrario, requiere por parte del espectador de un proceso lento de asimilación.

[6] Aquí el referente fundamental es el libro del mismo nombre de Marshall Berman, del mismo modo que la crítica explícita al coleccionismo y al concepto de museo expuesto por Flaubert en su novela inacabada “Bouvard et Pécuchet” (1881).

[7] Humberto Giannini en “La Reflexión Cotidiana: Hacia Una Arqueología de la Experiencia", Editorial Universitaria, Santiago de Chile, 1987.

[8] “La idea de la transformación de la materia está enquistada la idea de la transitoriedad de el cuerpo y por la tanto, de su desaparecimiento…”. D.V.V., op. cit. Donde el guiño a Lavoisier es más bien poético que químico, y por tanto, más conceptual que empírico.

[9] “Las deformaciones son las diferencias de los cuerpos, que en sus aparentes semejanzas –y dentro de un conjunto aparentemente homogéneo-, los cuerpos sustentan sus particularidades específicas”. D.V.V., op. cit. En este la “diferencia” presente en los objetos tiene un alcance derridiano y benjamiano, especialmente en cuanto al valor aurático de la obra de arte única e irrepetible, que en este caso paradojalmente está dado por el ensayo-error de la manufacturación industrial.

______________________________________________________________________

*Sergio González Valenzuela, Profesor de la Universidad Finis Terrae (Chile) y Curador de arte.

Texto publicado no folder da exposição "A Liquefação e a Decantação", 2008. Galeria Gestual. Porto Alegre, RS. E posteriormente, publicado na *Revista SIBILA, São Paulo, SP, em setembro de 2008. http://www.sibila.com.br/index.php/arterisco/318-el-laboratorio-poetico-de-dione-un-texto-transcordillerano-

Fragmentos de Ausência

2008-04-11T15:01:00.000-07:00

* Paula Ramos

A perda é inexorável. A trajetória humana, de qualquer um, é permeada por ausências. E embora a grande maioria das pessoas tenha consciência da inevitabilidade da morte, superá-la sempre envolve um caminho penoso. Dione Veiga Vieira, em Fragmentos Primordiais, exposição que segue até 3 de outubro junto ao Museu de Arte Contemporânea do Estado, MAC-RS, fala-nos dessa dor, da consternação diante do vazio. Sua reflexão foi motivada por uma experiência pessoal e traumática: a morte prematura, porém prolongada, de sua mãe, ocorrida há pouco mais de dois anos.

Na merecida sala especial junto ao MAC, Dione construiu simbolicamente mais uma etapa de depuração desse processo, por meio dos vazios e da impossibilidade: cadeiras sem assentos; mesas sem tampos; molduras sem imagens; espelhos manchados e opacos, nos quais a imagem se desbota; oito marcas de pratos, apenas elas, na toalha de mesa tomada pela erva daninha que sufoca a mesa e os afetos.

Como pontuou Angélica de Moraes no belíssimo texto sobre a exposição, há nesse trabalho muita raiva e dor, ira contra o absurdo e precário que ronda a existência. Tal sentimento paira nas cinzas espalhadas, no pó, nos talheres antigos, nas datas desbotadas no tecido, nos vestidos festivos, porém tristes, nos enormes ganchos de carnes, a fisgar-nos e a rasgar-nos. A dilaceração reside nas centenas de fotos colocadas lado a lado, distorcidas e em apagamento, mostrando um vestido bordado, usado pela mãe da artista com vaidade na juventude e que persiste, tal como relíquia, sob o vidro de uma das mesas. Presença entranhada na ausência, respirando nos objetos, vivenciados ou não. Esse é um aspecto particularmente interessante da poética de Dione, uma vez que poucos dos elementos que utiliza integram, efetivamente, o seu arquivo pessoal. A grande maioria deles foi adquirida em lojas populares, de usados, até mesmo na rua. O comovente vestido de criança, no qual se lê, em caprichoso bordado, Ana Maria 22.04.1963 e Mariane 27.12.1964, foi comprado num brechó. O mesmo aconteceu com o traje branco de noiva, sutilmente exibido pelo avesso, como a revelar nódoas de um corpo, vestígios de suor. É que à artista não interessa a essência objetiva das coisas, mas sim as relações que elas podem suscitar, metafóricas e de memória. No caso do vestido infantil, quantas não são as perguntas: Quem foram Ana Maria e Mariane? O que aconteceu com elas? Suas histórias foram felizes? Trágicas? Estarão vivas?

Dione, efetivamente, dá margem à construção narrativa do espectador, à imaginação e ao espelhamento. O resultado é que a grande maioria dos que percorrem sua instalação sentem-se logo envolvidos e abraçados, mesmo que, num primeiro momento, o que recebam seja um amargo soco no estômago. É natural. Em toda sua trajetória, Dione nunca procurou fazer uma obra bonitinha ou asséptica. Pelo contrário: busca mobilizar as pessoas, propor novas sensações a partir de elementos e jogos perceptivos nem sempre fáceis e agradáveis ao olhar apressado dos dias atuais. Em suas reflexões sobre o humano, sobre o corpo e sua fragilidade, a artista diversas vezes se apropriou de estopas encharcadas em líquidos vermelhos para referenciar vísceras, ou de mangueiras transparentes remetendo a veias: simulacros tola e facilmente reduzidos a certa escatologia. Dione, contudo, não se importa. Na realidade, ela gosta e precisa tocar de maneira profunda as pessoas. E os objetos, adotados em suas obras mais recentes, constituem um veículo privilegiado para isso, uma vez que fazem parte do cotidiano de todos nós, cada qual em sua especificidade.

Em Fragmentos Primordiais, os móveis, gavetas e objetos estão harmonicamente articulados nos cerca de 500 m2 do espaço, que tanto assustam vários artistas e que Dione soube domar, com síntese e elegância, recriando o ambiente de uma casa, mesmo que devastador.

Muitos poderão dizer, de maneira precipitada, que se trata puramente de uma espécie de terapia, como se a artista quisesse exorcizar seus fantasmas. Pode ser. Entretanto, como esquecer que a arte se faz essencialmente a partir de vivências? Como ignorar que a arte também é uma interpretação pessoal da vida, de suas alegrias e, substancialmente, de seus dramas? Não, não é terapia. É tocar na ferida latente e propor um diálogo sobre a condoída experiência da perda, pela qual todos, um dia, passaremos. E isso Dione conseguiu de maneira sublime.

*Paula Ramos é jornalista e doutora em História, Teoria e Critica de Arte/UFRGS - Universidade Federal do Rio Grande do Sul.

--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Texto publicado no CADERNO CULTURA – Jornal Zero Hora - ZH – Porto Alegre – 25 de setembro de 2004, referente a exposição Fragmentos Primordiais, 2004, Sala Especial - MAC-RS, Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul.

Índices de Ausência

2008-02-12T12:14:00.000-08:00

Texto publicado no catálogo da exposição Fragmentos Primordiais, 2004. Sala Especial MAC-RS - Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul. Porto Alegre, RS.

Vestígio e Sentido

2008-02-12T11:47:00.000-08:00

Icléia Borsa Cattani ¹

Vestígios: não resultantes de uma catástrofe ou de uma lenta ação do tempo, mas criados por uma artista.

Toda a nossa vida é marcada por vestígios, que recebemos do mundo à volta ou que nós mesmos produzimos, involuntariamente, durante nossas trajetórias de vida. Uma fotografia cuja origem se perdeu, um objeto que guardamos durante anos por razões evidentes ou obscuras, fragmentos do mundo que recolhemos, como conchas, seixos, folhas secas, e ainda, pequenos indícios das pessoas amadas, presentes ou que se foram, como, um lenço, uma louça de uso pessoal, tantos outros...

Fragmentos de vidas, de um transcurso temporal, que permanecem como vestígios de nossas origens, de nossas raízes pessoais, familiares, étnicas, culturais e, num sentido mais amplo, de testemunhas de um possível sentido da vida.

Na arte, esses elementos são resignificados, adquirindo um sentido poético que vai muito além de sua simples origem de testemunhos, de talismãs ou de fetiches. Eles congregam-se através de um fio condutor que os aprofunda e os engrandece.

Fogo: no trabalho atual de Dione Veiga Vieira, o fio condutor é o fogo. O fogo é o que une os fragmentos, transmutando-os em vestígios com significados comuns. A artista impregnou-se das análises de Bachelard em Psicanálise do Fogo, sublimando os enigmas de sua história pessoal através de suas obras. O fogo, de elemento fundador do mistério maior de suas origens, transformou-se em matéria fundante de sua poética, isto é, de sua escolha dos materiais, de seu processo de criação e da instauração das obras elas mesmas. O fogo controlado, em oposição ao fogo destruidor que aniquila. O fogo positivo, que pode transformar-se em fertilizante do qual germinam novas vidas. E, entre ambos, a unção, o ato da artista de purificar os vestígios, atribuindo-lhes novas vidas enquanto elementos estéticos, enquanto arte. O fogo de Prometeu, que serve para criar. O artista como demiurgo que transforma os fragmentos numa totalidade plena de sentido, por sua ação sobre a matéria.

O fogo purifica. A matéria calcinada é outra em relação à original. Ungir a matéria queimada, com óleo, como num batismo ou na extrema-unção, é purificá-la duas vezes. Mas materializa também, o gesto demiúrgico do artista de dar vida a "pseudo-pessoas", que são as obras, segundo o conceito de René Passeron. Esperar que, dessas "pseudo-pessoas", venha a floração, é expressar o desejo que elas cumpram o destino humano, que é florir e frutificar, antes de fenecer. Todavia, sendo as obras de arte feitas para uma vida muito mais longa do que a nossa, o processo de floração pode ser permanente, atravessar os séculos. Através dele, a artista cria uma outra vida para os fragmentos de sua história: purificados de sua temporalidade e de sua circunstancialidade, eles florescem para sempre no âmbito das representações simbólicas.

Superfície: Dione sempre foi sensível à superfície das coisas, no mundo e em sua obra. Superfícies lisas, rugosas, ásperas, coexistiam em suas pinturas dos anos 80, compondo a pele dos trabalhos. Mas, não nos enganemos: como afirmou Paul Valéry, "o mais profundo, é a pele". Em nossa pele, inscrevem-se as sensações e os sentimentos mais arcaicos e mais profundos. O amor e o ódio nos são ensinados, sobretudo, através da pele: as carícias ou os maus-tratos, criam o mapa de nossas relações com o mundo.

Em trabalhos de dois anos atrás, Dione realizou furos: a superfície transpassada, como num ferimento, desvendava o interior. Não por coincidência, a artista estava, naquele momento, criando obras tridimensionais, semelhantes a pedaços de corpos, animais ou humanos: muitos lembravam carcaças nas quais a carne se expunha, despida do seu invólucro.

Nos trabalhos atuais, o fogo define a superfície das coisas. Ele modifica a matéria ao calciná-la, como a madeira transformada em carvão, mas também deposita, mesmo sobre as superfícies intocadas, uma camada de cinzas, como um véu. Poucos objetos escapam ilesos dessa ação, que contamina num negror ou em tons de cinza de tal modo, que todas as formas e todas as superfícies se confundem. O óleo que a artista passa não limpa os objetos, antes fixa para sempre a fuligem, acentuando as marcas e as cicatrizes provocadas pela ação do fogo e do tempo.

Objetos: os objetos são de duas ordens, nas instalações propostas. Primeiramente, os que são da ordem dos vestígios: cabelos, órgãos internos em parafina (comprados em lojas de ex-votos), carvão, espelhos, um "cordão umbilical" feito com arame e estopa. Por outro lado, aqueles que servem para conter, organizar ou expor: caixas e bacias, prateleiras, bancos. Todos esses objetos remetem ao corpo e ao universo doméstico da casa, estabelecendo um paralelismo entre ambos, que a artista enfatiza em seus textos. A casa como nosso continente, nosso segundo corpo, útero substitutivo que recria a ilusão da segurança e da completude perdidas. E isso nos remete a outro significado do fogo: em francês, a mesma palavra, foyer, designa o lar e o antigo centro de calor da casa, onde o fogo devia ser mantido permanentemente aceso em tempos passados, para garantir as condições de sobrevivência dos moradores: o calor e o alimento. Normalmente, eram as mulheres da casa as responsáveis pela manutenção desse fogo, durante as vinte e quatro horas do dia. As funções biológicas femininas, de abrigar e nutrir os fetos em seus ventres, eram assim simbolicamente transferidas ao espaço da família. Não por acaso, então, Dione coloca útero, seio, cordão umbilical, uma trança de cabelos nesse corpo-casa-arte. Ela cria, não um espaço feminino, mas um espaço do feminino, com as questões arcaicas e tão atuais que o compõem.

Esse corpo-casa é uma busca do identitário, e os espelhos (um nítido, outro, significativamente, velado pelo óleo) o evidenciam. Não se trata apenas, no entanto, de sua identidade pessoal, mas novamente de uma questão mais ampla, profunda e generosa: uma interrogação sobre a potência do feminino, sua capacidade prometêica de fazer florescer o calcinado, de purificar pela unção, de unir os vestígios, "pequenos e frágeis testemunhos de uma origem", segundo a artista, e atribuir-lhes sentido.

Sua busca das origens pessoais é transcendida no ato da criação, passando a espelhar o enigma de todos nós. Ao criar e ao recriar vestígios, unindo-os através de um fio condutor que evidencia a dialética destruição/ reconstrução, Dione permite que se exerça a potência da arte.

______________________________________________________________________________

[1] Icleia Cattani é pesquisadora e crítica de arte, Professora do Instituto de Artes da UFRGS - Universidade Federal do Rio Grande do Sul.

________________________________________________________________________________

-Texto publicado originalmente no catálogo da exposição A Calcinação, a Unção e a Floração, 2003. MALG - Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo, Pelotas, RS.

-Texto publicado no Terceiro Volume da Antologia "Pensamento Crítico" de Icléia Cattani, Organização Agnaldo Farias, edição FUNARTE - MEC, Rio de Janeiro, RJ, 2004.

O corpo invisível

2008-02-12T05:04:00.000-08:00

*Mário Röhnelt

A instalação O Corpo Invisível, de Dione Veiga Vieira, na capela da Rua Dom Pedro II, em Porto Alegre, RS, impacta de imediato. Pequena e de espaço único, de poucas interferências, a capela pode ser abrangida de todo pelo olhar de quem entra. Ao fundo vemos um pequeno altar de madeira e na parede atrás deste, alguns vitrais. Dione fez sair desta parede, ao fundo, diversos tubos plásticos transparentes preenchidos de um líquido vermelho assemelhado ao sangue. O conjunto de tubos desce da parede de onde emergiram, atingem o chão da capela e dirigem-se à frente da mesma rarefazendo-se gradativamente, e retornam à sua origem pouco depois de atingirem a metade deste espaço. Aqui e ali estão dispostas algumas bacias metálicas contendo estopas embebidas no mesmo líquido vermelho que preenche os tubos plásticos.

Não fica dúvida. A obra remete à Paixão de Cristo. Mesmo para um leigo como eu, a capela é o lugar onde os crentes lembram e homenageiam o sofrimento e redenção daquele que se tornou o símbolo do sofrimento e redenção de cada um de nós, unidades da raça humana. Na metáfora de Dione, as veias, onde circula a seiva que alimenta a vida, são extraídas do seu esconderijo corporal e expostas ao olhar. Isso ocorre no espaço da capela que assim transmuta-se, simbolicamente, em corpo. Sendo ela, um espaço sagrado, o corpo simbólico em que é transformada é portanto um corpo sagrado. Adiante de qualquer retórica imposta ao fato visual, são inequívocas a presença dessas aproximações. Um drama cria a sua atmosfera nesse espaço. As bacias e suas estopas, tintas de vermelho, lembram que o corpo precisa ou precisou ser limpo e o sofrimento tratado.

Como espectadores somos conduzidos portanto ao interior de um corpo, mas um corpo de hierarquia superior ou à esta associado, pois é sagrada, religiosa. Isto decorre de uma espécie de adequação delicada, sutil e respeitosa com que a obra de Dione se insere no espaço da capela. Na verdade pode-se dizer que a instalação se dá não só no espaço enquanto metros cúbicos, largura, profundidade e altura, mas numa espécie de aderência ao caráter simbólico deste espaço.

Diferentemente de uma galeria de arte que possui, digamos, espaço maleável à diversos significados, a capela impõe-se pela força de seu significado próprio. Dione parece compreender isto. E mais, parece se interessar por isto e acaba por construir um equivalente contemporâneo à pintura religiosa do passado. Os elementos estão presentes. A memória e fantasma da dor estão presentes. A generalização da idéia de sofrimento transporta os observadores para um culto coletivo, uma vez que todos nós, visitantes, reconhecemos nesse espaço aquilo que nos é atávico, a dor que nos é comum ou será.

Se na arte do passado o sofrimento do Cristo está contido nos limites da moldura, nesta instalação este drama alastra-se pelo chão de sua própria casa, que também é seu corpo, que também é nosso corpo individual e social.

* Mário Röhnelt
Artista Plástico

________________________________________________________________________________

Texto sobre O Corpo Invisível, 2002.
Intervenção no Espaço de Cultura Martin Luther, Porto Alegre, RS.